極小美術館

内実を見つめる造形思考

保田春彦（彫刻家）

静けさに近世への気迫秘める

　六波羅密寺の空也上人立像は、その口から南無阿弥陀仏の文字を象徴的に表した六体の阿弥陀像をはき出している不思議な作品としてしられている。私は以前この像をみたとき、はからずもシエナ派の画家シモーネ・マルチニの受胎告知を思い出していた。美術史的な専門の視点からではない。マルチニの受胎告知には画面中央に天使のお告げの言葉が金文字のラテン語で聖母マリアの方に向かって薄く浮き彫りされている。その文字が空也上人立像の口から出ている阿弥陀像と結びついたからであった。
　以前、東京博物館で開かれた「鎌倉時代の彫刻展」を観賞した際、妙法院三十三間堂の婆薮仙（ばすうせん）像の前にきて立ちどまり、後から、横からと二度三度みて回りながら、ふとドナテルロだなと思った。これも六波羅の時とおなじであって、ただ感覚的にそう思ったまでである。この彫刻をドナテルロ晩年の作ラ・マッダレーナになぞらえて述べられた文献があるかどうかもしらない。
　私は、初めてフィレンツェのバチステーロで黒光りする痩躯（そうく）にぼろをまとったラ・マッダレーナを見上げたときの強烈な印象が、そこでよみがえったのだ。それはまた、ロダンの、あのヴィヨンの詩からつくられた老いたる娼婦へと思いをつないでいく。ロダンがドナテルロを意中においていたことはよくしられているが、遠いむかしの海をへだてたところでつくられた婆薮仙像と、ラ・マッダレーナの近似は不思議におもわれてならない。それは外貌（がいぼう）が似ている以上に内的な意味での接近について私は興味をおぼえるのだ。婆薮仙像も苦行の末のやせ細った体と艱苦（かんく）に耐えようとする表情が、決して表面だけのものではなく、気迫に満ちた内面描写でとらえられていて、細部表現が指先の末端にまで行き届き、浮き上がった血管の描写が弛緩（しかん）なく生硬な鉄筆描線をみるように鋭い。
　ところが、鎌倉時代の木彫はほとんど例外なくかなり鮮明な彩色がなされていたという現実と、特にこの時代からさかんに用いられるようになった玉眼をいれる手法とを考えあわせてこれらの作品をみていくと、今日われわれがみるのとは随分ちがったものだったとおもわれる。われわれが今、異様とさえ思うそうした極彩色は、長い時間の経過につれて幸いにも洗いおとされ、彫刻としての実態だけがここにのこる。婆薮仙像は頭巾までぬげるようにつくられているそうだが、この時代の具体的な手法や技術から、すぐに鎌倉時代の彫刻が写実的な方向に進んだと考えるのは性急である。しかし寄木の手法で彫像の衣をぬがすことができたり、目や歯の表現に玉や骨をうめこんだりする技法を駆使したということが、現代の彫刻に何らかの暗示を与えてはいないだろうか。ここでまた私は、フランスの具象彫刻家ジャン・イブステキーの作品を思いだすのだ。彼の磨きあげた真鍮（しんちゅう）の女体は、前のおおいもはがすことができるだろうし、乳房もえぐりとられるだろう、そして歯は完全に「義歯」なのである……。
　鎌倉時代の彫刻は、一般には、優美な平安貴族文化に対して再び天平の精神支柱をとりもどそうとした、日本文化史の中でも極めて気迫のこもった時代であったとされている。堅固な封建武家政治の確立という後ろ盾があって、日本の風土に定着した仏教思想がこの時代になっていくつかの新興の宗派として誕生していったのであるから、彫刻もまた若々しい機運で出発したのは当然であろう。しかしそのはつらつとした機運も運慶というまれにみる仏師を頂点としたその弟子たちに伝承されていく一時期に過ぎない。そしてこの時代もまた今までの時代がそうであったように、彫刻や絵画が寺院そのもののためにあり、ひいては武士という特権階級を絶対的な対象としていた。それは暗い御堂の閉ざされた空間の中の彫刻であったのである。
　そのことは、中世ロマネスク教会にみられる浮き彫りや柱頭彫刻等、外の空間にむけて開かれていたのとは発想の基盤が全くちがっていて、西洋のそれは、文盲の民衆に与える平明な布教の手段でもあった。ともあれ鎌倉封建武士の治世のなかで、現実的な物の考え方が美術にも反映し徐々に肖像画や肖像彫刻がつくられるようになり、対象がより人間的な日常的なものへと志向していくのはやはり時代の推移というものだろうか。ここで、もし雄渾（ゆうこん）な気宇というのが鎌倉彫刻に与えられた呼称だとすれば、それは決して武士階級が求めた男性的な剛気を指しての形容ではない。たくましい金剛力士や四天王が鎌倉彫刻の一つの型であることは間違いないにしても、その同じ作者たちが無著・世親の二体の傑作をどうして生んだのだろうか。重源上人像や婆薮仙像を何故後世に残すことができたのだろうか。
　私は鎌倉彫刻の気迫はこれらの秀作が秘められて静かななかの緊張感であると思っている。それは、ものの外側から内実をみつめる作者の密度のある造形思考に他ならない。飛鳥・天平とつづいた透明度の強い古式の緊張感とはややおもむきがちがうかもしれないが、われわれの身近に感じる生活の張りといったものもこの時代の性格として、これらの作品の中に見逃すことはできないだろう。そしてこの機運こそ中世封建社会の中で、静かに、しかも忍耐強く、次の新しい時代に向けて胎動し始めようとする、かすかな近世へのきざしかもしれない。

（1975年11月10日付け朝日新聞夕刊文化面のために執筆）

【ごあいさつ】

　2009年11月、「荒川修作 展」で開館し、「鈴木久雄 展」など現代美術を代表する作家の展覧会を開催してきました。
　1968年、十年余りの滞欧生活を終えて帰国した保田春彦は、日本橋の南画廊（プラザ・ディックの共催）で最初の個展を開きました。金属を使った造形作品は、静謐さと緊張感を持つ独特のフォルムの中に詩情を感じさせ、日本の彫刻界に新風を吹き込みました。同年、神戸須磨離宮公園現代彫刻展で大賞受賞、翌年、第21回芸術選奨文部大臣新人賞を受賞、第11回サンパウロ・ビエンナーレでビエンナーレ賞を受賞するなど目覚ましい活躍をされました。また、武蔵野美術大学の教授として若い作家の育成にも努められ、1995年第26回中原悌二郎賞､2007年第23回平櫛田中賞を受賞するなど日本を代表する彫刻家であり、土谷 武、若林 奮、山口 牧生、井上 武吉ら同世代の作家との交流を通して現代彫刻の新しい世界を築いたといっても過言ではありません。
　今回の展覧会は1970年代の代表的な作品と最新作の木彫作品、2008年4月から7月までの「パリでの裸婦デッサン」、その後の「闘病デッサン」を展示し、その初期から現在までの作家のコンテクストを辿り、稀有な作家の資質に触れることによって現代美術の神髄を垣間見ようとするものであります。

2011年4月　極小美術館